Il n’y a qu’en France qu’on peut parler de sexe aussi librement dans un film. Du sexe, mais aussi surtout du plaisir féminin, sujet le plus tabou qui soit, même si cela ne devrait pas l’être. Au constat que 30% des femmes ne connaîtraient pas l’orgasme, le réalisateur Reem Kherici a trouvé une idée de scénario formidable qui parle à tous, et le traite sous l’angle d’une comédie déjantée.

Il a là assurément du vil racolage largement exploité dans la bande-annonce, mais le film va très vite dépasser toutes les préventions qu’on pourrait avoir sur un tel sujet.

A la base de cette envolée, deux comédiens au jeu fusionnel, Alexandra Lamy et Françoic Cluzet qui nous font adhérer à leurs personnages par leurs mimiques et leur abattage constant. Cluzet est hilarant dans un personnage grognon qu’il nous avait déjà dévoilé dans les petits mouchoirs. Et Alexandra Lamy nous joue de manière impériale une femme traversant une crise aigüe de la quarantaine, passant par toutes les émotions de la re-découverte de soi. Tantôt protectrice de son homme, tantôt déchainée dans sa quête des sens, elle se fait ingénue, un moment, pour être tentée le moment d’après par des expériences pimentées.

La première demi-heure est un régal, tellement le film se lâche… On se dit qu’on tient là la comédie de l’année… D’autant que le film flirte avec les limites de la bienséance, sans jamais y tomber, si ce n’est au travers d’un rire franc qui est tout à l’honneur d’un scénario habile et pointu…

Hélas, peut-être, est-ce difficile de tenir longtemps sur la ligne de crête, car inévitablement, il y a une baisse de rythme pour laisser passer un moment d’émotion qui est un cri de détresse du mari bafoué. Le rire s’éloigne, mais la tendresse est là, toujours présente. La suite est plus convenue, ce qui pour un tel film, est une certaine forme de régression. Mais qu’importe ! Nos deux loustics continuent de nous emporter dans leurs délires jusqu’à une fin un peu courte.

Un film qui va attirer, à n’en pas douter, beaucoup de vieux couples, mais aussi des bandes de copines trop heureuses de voir les préoccupations de leur sexe traitées avec humour et élégance.

Bravo !… Une chose est sûre : un remake US n’est pas du tout garanti…

Comment mieux nous entraîner dans les années 80 qu’avec ce titre « Just an illusion » du groupe anglais Imagination ? Une époque qui nous a tellement pris aux tripes sur le plan musical !…

Nous voici donc au début des années 80 autour d’une famille qui vit chichement et se débat dans un contexte social compliqué. Un film intimiste, sans doute largement inspiré par le passé des deux réalisateurs, Olivier Nakache et Eric Toledano. C’est brut de vie, de tensions, d’amour, de délicate authenticité.

Dès les premières images, le film nous embarque à sa suite dans une évocation du passé, sans nostalgie, avec la précision d’un laser sociologique et une science du détail qui tue. Pour les plus anciens, tout sonne familier; ce n’est pas un compte rendu fidèle d’une époque, c’est plus que cela : une totale immersion, comme si on replongeait dans notre enfance, en s’étant débarrassé de tous les oripeaux de la modernité.

Bien sûr, la bande son participe activement à l’expérience sensorielle à laquelle nous convie ce film ( il faut voir – c’est jouissif – Camille Cottin se lâcher complètement sur un tube des Cure ), mais le travail des décors mérite plus que mille fois un César. J’ai sursauté plusieurs fois face à des objets tombés en désuétude. Aussi bon qu’une madeleine de Proust !…

Mais le film n’est pas que cela. Il est foncièrement humain dans son déroulé, en montrant une famille comme les autres qui s’étripe à longueur de journée, mais où l’amour est toujours là. J’ai été aussi très touché par le contexte juif mis en avant, de manière subtile et tout en douceur. Il éveille au fond de nous une vraie affection pour cette communauté pas toujours à la noce dans notre société actuelle. Cela fait du bien de les voir membres à part entière de notre communauté de vie.

Bref, ce dernier opus du tandem de réalisateurs bien connu m’a bien plus emballé que leurs précédentes sorties. Peut-être parce que le rire jaillit plus facilement de situations vécues que de scénarios tarabiscotés. La tendresse aussi est un formidable moteur pour faire d’un film un grand succès. Je pense que celui-ci en sera un assurément.

Il le mérite avec des acteurs au summum de leur art. Sans doute le meilleur film du moment avec « les Rayons et les Ombres ».

Je suis allé voir ce film pour retrouver l’esprit du Chemin que j’ai eu le plaisir de fouler par deux fois. Ce film est une réussite !…

La réhabilitation par la marche est apparemment une solution utilisée pour « remettre sur le chemin » des jeunes qui sont totalement égarés, en colère contre la société ou contre eux-mêmes. C’est assurément la meilleure idée qu’on ait eu, car quel meilleur cicatrisant de l’âme que la randonnée, cet état où l’on redevient un bipède tout simple préoccupé par ses seuls pas, avec la seule fixation de boire et de manger. Ah oui… j’oubliais le plus essentiel : laisser son esprit vagabonder, se laisser embarquer dans la beauté des paysages et communier avec la nature, le froid et le chaud, la pluie et la sécheresse… Revenir à une vie toute simple, loin des sollicitations du monde…

Dans le film, Adam, jeune rebelle, a du mal à accepter cette punition, mais il se fait petit à petit à cette vie nomade avec sa tuteure Fred, jouée par Alexandra Lamy tout en finesse et en émotions. Le film est surtout l’histoire de la confrontation entre ces deux-là, avec le Chemin de Compostelle en filigrane qui dispense des cartes postales épatantes. Rien que pour la magie de ces images, le film vaut le déplacement. On en aurait voulu davantage d’ailleurs…

Le jeune Adam est bien dans son rôle, cyclothymique à souhait, mais somme toute attachant. Surtout, ce que j’ai apprécié, c’est d’avoir su capter cette ferveur qui s’empare du marcheur dans un contexte marqué, qu’on le veuille ou non, par une emprise de la foi, ou du moins d’une réelle spiritualité. C’est là le secret du Chemin, être marqué par une sorte de grâce, se sentir en dehors de soi, s’abandonner à une force supérieure. Cela devient même une drogue de l’âme, si bien que, parvenus à St Jacques, beaucoup en redemandent.

C’est en tout cas une vraie victoire intime que d’aller au bout du périple. Le film le traduit bien… Un film touchant et intimiste… Tout ce que j’aime.

« Les Rayons et les Ombres » : un film dont on sort ébranlé… Il nous fait prendre de la hauteur, et réfléchir sur la condition humaine.

Le cheminement d’un homme faible, prisonnier de ses amitiés de jeunesse, qui se laisse porter par les événements et par les circonstances le conduisant à un positionnement social qu’il n’aurait jamais pu espérer. Un homme sans conscience autre que l’opportunisme, la quête d’argent facile et la dolce vita. Un homme qui se laisse emporter dans les pires compromissions, y compris un antisémitisme virulent qui lui était au départ étranger. Tout cela dans une sorte de spirale mortifère, sans réactions, comme vide de l’intérieur, malgré quelques avertissements familiaux.

Un homme qui, pour autant, n’est pas un mauvais bougre, européen et pacifiste de conviction, malade et se sachant condamné, père attentif enclin à se révolter lorsque sa fille est menacée. Un être humain qui nous est proche sous certains aspects, le voile historique d’opprobre jeté sur les collabos ayant volontairement noirci ses protagonistes au point d’en faire des diables.

Ce n’était pas des diables, et c’est là le mérite de ce film autour d’une époque volontairement écartée de notre mémoire collective. Fallait-il les exécuter ? Sans doute du fait de la violence de l’époque et des rancoeurs accumulées. Fallait-il emporter dans l’épuration tous leurs proches ? Le réalisateur Xavier Giannoli pose la question avec justesse avec le triste destin de Corinne Luchaire, la fille, ballotée par les événements comme une coquille de noix fragile. Quelle pouvait être la conscience politique d’une gamine de vingt ans sans mère, et sous la coupe ardente de ce père adoré ?

Le film restitue très bien les années d’occupation, les milieux collabos coupés du monde, l’exacerbation des sens pour se sentir vivant avant le grand châtiment. C’est un film puissant, une forte dénonciation, tout en gardant une belle objectivité.

Alors, bien sûr, les résonances dans notre époque feront vibrer certains qui préfèreront oublier que la défaite humiliante avait créé le pire des terreaux à l’émergence du mal. Tout au plus, pourrions-nous au minimum tirer de ce film l’enseignement que les extrêmes, tous les extrêmes, créent les pires débordements. C’est bon parfois de se retourner, et de revisiter l’Histoire. Nous avons beaucoup à y gagner…

La lecture de Victor Hugo par Fabrice Luchini est un tel enchantement que je comprends qu’un réalisateur ait essayé de capter sur la pellicule les images de son spectacle et de broder un scénario autour. Il ouvre tellement de diversions dans son spectacle qu’on peut toujours tirer un petit bout de laine qui dépasse, démêler toute la bobine et en tirer une histoire.

« Victor comme tout le monde » est un exercice de l’ordre de la facilité scénaristique. Un réalisateur qui s’est mis en tête de mettre notre vibrionnant récitant de poèmes dans les pas du grand poète Hugo. Y compris dans sa vie privée, compliquée, avec un amour pour sa fille qui ne s’exprime guère, sauf quand celle-ci menace de se noyer et de suivre le même triste destin que la fille du poète.

Autant le dire, l’histoire est fantaisiste et presque anecdotique. Le film n’a pas d’autre objectif que de laisser Luchini en roue libre, dans ce qu’il fait le mieux : partager l’amour de la littérature de son verbe très sûr. Donner des émotions au spectateur. Lustrer et polir chaque mot d’un texte bien ciselé. Soit en un mot devenu langage courant : faire du Luchini…

Cela tombe bien, j’adore. Je vous rappelle d’ailleurs ici le commentaire enthousiaste que j’avais fait de son spectacle. Mais tout cela est un peu court pour faire un film. Restent quelques scènes gourmandes avec trois jeunes actrices sachant bien lui donner la réplique. Un bon divertissement et quelques scènes d’un spectacle étincelant…

Au générique de fin, j’étais heureux et je me disais « quelle grâce que ce film ! » avant de réaliser que c’était le nom du film en italien. Une grâce qu’il faut donc prendre au sens propre, avant la grâce présidentielle accordée à des prisonniers dont il est question dans le récit.

Paolo Sorrentino, le réalisateur, a une griffe bien à lui dans ses images très léchées et dans une ambiance décalée qui exulte le bonheur de vivre. Et la douceur de vivre à l’italienne… Il aime souvent émailler son récit d’images hypnotiques de danseurs et de quelques incongruités humoristiques ( comme ce rap inattendu entonné par le Président ).

J’avais adoré « la Grande Bellezza » ( 2013 ), film qui m’avait beaucoup marqué et qui, à mes yeux, est le summum de l’art de vivre à l’italienne. Ici, avec le même acteur Tony Servillo qui a la présence charismatique d’un Marcello Mastrioanni, le récit d’un vieux président sur le départ est savoureux. Nous sommes en Italie, et le rôle est surtout honorifique. Mais quel plaisir que ces inaugurations de chrysanthèmes, notamment ce dîner d’anciens militaires !

L’histoire est hachée, déstructurée, sans autre fil directeur que de nous faire vibrer sur des images. Nous sommes dans la ouate, un liquide amniotique de bonheur, avec un président qui n’est pas dans l’action, mais dans la réflexion. Et dans la nostalgie face à la perte de sa femme…

Paolo Sorrentino sait jouer comme personne avec les silences ; il s’appuie, il est vrai, sur un acteur extraordinaire qui est un stradivarius d’émotions. Il nous fait un nouveau film extrêmement humain et touchant. A voir bien sûr dans une langue italienne qui est la colonne vertébrale du cinéma de Sorrentino… Il me tarde de voir les films que j’ai loupés dans sa filmographie.

On sait depuis « le Tambour » de Volker Schlöndorff que l’Histoire se raconte bien à hauteur d’enfant. Une façon plus légère de raconter certains moments forts du passé…

Les derniers jours de la guerre dans une petite île allemande des Jutland, proche de Hambourg. L’île est très préservée du conflit, même si les escadrilles de bombardiers britanniques survolent les lieux comme des vautours menaçants; la vie se poursuit comme si de rien n’était, marquée pour chacun par la recherche constante de nourriture. Mais un ressort semble cassé, et même les enfants qui portent l’uniforme des jeunesses hitleriennes savent que les carottes sont cuites. Comment le dire dans une société où des soubresauts de fanatisme se prolongent ? Comment ne pas montrer de signe de défaitisme ?

Nanni, jeune garçon d’une petite dizaine d’années, découvre que le monde des adultes est un terrain glissant. Il essaye de protéger sa mère, vivant péniblement sa grossesse avec ses deux enfants. Il observe les réfugiés allemands qui sont des étrangers aux regards des Iliens. Il met ou non son uniforme selon les personnes qu’il rend visite. Il apprend l’histoire de sa famille, et de cet oncle dont la fiancée juive n’a pas été sauvée par son propre père qui est toujours un haut cadre des nazis, resté à Hambourg.

En d’autres mots, il découvre toutes les compromissions des adultes avec des yeux purs qui essayent naïvement de recoller les morceaux. Un très joli film avec une ambiance prenante. Le succès du film tient assurément à son jeune acteur, très juste dans son jeu, qui brille d’une flamme intérieure. Les images sont aussi d’une grande beauté, avec des dunes plongeant dans une mer et un ciel qui se confondent. Enfin Diane Kruger fait une courte apparition remarquable en paysanne revêche aspirant comme beaucoup à la fin d’un conflit interminable.

Une vision différente de l’Allemagne en guerre. Dans le regard d’un enfant, c’est tellement juste par essence.

13 Novembre 2015… Des tirs d’armes automatiques percent la nuit, des victimes tombent, la ville entière frisonne sous les sirènes des secours et des polices, la peur et la sidération nous paralysent. Une date qui restera dans nos mémoires comme un souvenir cuisant. Un choc brutal ! Comme avant cela, le 11 Septembre 2001 et un peu plus tard, sans comparaison aucune en termes de victimes, le 15 avril 2019 ( incendie de Notre Dame ).

Au dixième anniversaire de cette date funeste, c’était une bonne idée de faire une mini-série racontant l’histoire de survivants du Bataclan. Le réalisateur Jean-Xavier de Lestrade s’y est attelé, avec beaucoup d’humilité et le résultat est tout simplement exceptionnel. Point de voyeurisme dans ce film, ni de sensationnalisme, même s’il répond aux questions qui étaient les nôtres instantanément devant nos écrans de télévision en ce soir de Novembre.

Le parti-pris, merveilleux de pudeur et de sensibilité, est de raconter l’histoire de 5 hommes et 2 femmes pris en otage par les terroristes pendant plus de deux heures, avant d’être sauvés par la BRI dans une action commando exemplaire qui restera dans les manuels.

La série vise à raconter les faits, mais plus encore, les années qui ont suivi faites de traumatismes, de cauchemars, de chocs psychologiques, d’analyses, de soutiens et de réinsertions. De l’humain, juste de l’humain, rien que de l’humain…. Ce qui fait de ce film un chef d’oeuvre d’émotion est l’interprétation exceptionnelle des acteurs, tous en état de grâce. Ils sont tellement bons qu’on croirait vraiment avoir affaire aux protagonistes du drame. Ils ont formé un groupe de potes-otages ( « les potages » ) qui se rassemblent souvent comme pour trouver une catharsis à la douleur. Seuls ceux ayant vécu les événements sont en mesure de comprendre la détresse des autres. Et ce groupe devient très soudé pour affronter la suite.

Cette série mérite absolument d’être vue pour le jeu des acteurs. Ils sont tous absolument bluffants dans les rôles de ces otages, mais aussi dans ceux des conjoints qui résistent vaillamment aux vents mauvais pour soutenir leur proche. Souvent les larmes montent aux yeux du spectateur. C’est dur, brutal et lancinant. Je ne peux pas ne pas les nommer, tant ils méritent les félicitations les plus vives, tous individuellement et collectivement : Benjamin Lavernhe, Alix Poisson, Antoine Reinartz, Felix Moati, Anne Steffens, Thomas Goldberg, Cedric Eeckhout. Quelle maestria ! Ils honorent les vrais survivants de la plus belle des façons. Quant au spectateur, il communie avec les victimes au coeur du Bataclan même, et dans la chair souffrante des survivants pendant les années qui ont suivi.

Bravo à tous. C’est sans doute la plus belle série du moment….

Un film un peu déroutant…

Une Jodie Foster très solide en psychanaliste ayant ses propres failles ; une histoire de suicide présentant des apparences douteuses ; un mari ( Mathieu Almaric ) aux yeux révulsés de colère et au comportement excessif; une incursion dans l’hypnose qui dévoile des images du passé ; un inconscient à fleur de peau ; une série d’incidents qui déstabilise la rationalité de l’enquêtrice.

Tous les ingrédients sont là pour une montée en puissance presque hitchkokienne. Et pourtant, cela ne marche pas totalement. Les ficelles sont un peu grosses. Une image crépusculaire, de la pluie continuelle et surtout une musique envahissante, parfois agressive, qui meuble le moindre temps mort, tout semble fait pour mettre le spectateur sous tension. Mais l’histoire n’est pas assez charpentée pour justifier cet étalage de suspense, et cela fait un peu flop…

Heureusement notre Jodie tient bien la route, et quand un sourire apparaît sur son visage tourmenté, le récit s’offre un intermède précieux. Surtout, la complicité avec Daniel Auteuil est réjouissante. De même que le silence effaré du fils Vincent Lacoste face à une mère hallucinée, en roue libre… On se laisse porter donc, malgré tout.

Au final, notre réalisatrice s’aventure sur un terrain ardu, celui de l’irruption de l’inconscient dans le quotidien d’une femme de santé, en espérant qu’une actrice de premier plan et des vieux trucs de réalisation réussiront à façonner une histoire. C’est moitié réussi, mais du fait de la qualité de l’interprétation, cela vaut bien mieux que la moyenne….

Vu en arrière-première, soit 20 jours après la sortie, et je suis content de ne pas être passé à côté.

Ce film est chaleureux, à l’image de son réalisateur Jerome Commandeur. Il explore le passé, dans ce qui est de plus consensuel et plus fédérateur, les amitiés scolaires. La mémoire enjolivée de cette période de la vie, alors que les années se sont depuis accumulées et que l’heure des bilans approche, est-elle à la hauteur de la réalité ?

Pas vraiment, nous répond Commandeur. Car la jeunesse est un état bulldozer souvent très égocentrique… Et on fait des dégâts, parfois beaucoup de dégâts sans en être conscient. Alors quand on souhaite se pencher sur ses jeunes années avec la nostalgie en bandoulière, la boite de pandore s’ouvre parfois dans un grand bruit d’explosions et d’amertume…

C’est en cela que Commandeur touche juste. Ses retrouvailles sont tout sauf tranquilles. Rimbaud l’avait bien écrit, « on n’est pas sérieux quand on a 17 ans ». Et même carrément bête… « T’as pas changé » plonge tête baissée dans ces années insouciantes. Avec le recul qu’offre la connaissance de la suite pour chaque protagoniste. C’est bien fait, avec la délicatesse d’un humoriste au grand coeur. Il ne se donne pas le beau rôle, avec la modestie qui le caractérise, mais réussit à rassembler autour de lui une brochette d’acteurs convaincants. Celle qui domine le sujet de la tête et des épaules est Vanessa Paradis, superbe dans un contre-emploi étonnant. Il faut la voir soule et amère, jurant comme un charretier. Une merveille !…

Ce film est un régal, car il mobilise toutes les générations. Les tours de cochon, les crasses, les amourettes, les tubes du moment, tout cela nous parle. Cela stimule nos neurones sur les destins différents qui auraient pu naître, si nous avions été moins cons. Cela rend aussi sympathiques tous ces anciens qui ont mal vieilli et qui se demandent à quel moment cela a complètement foiré.

C’est la vie, dans son expression la plus simple, la comparaison du présent avec les rêves d’avenir du passé. Le film raconte ce parcours transgénérationnel avec humour, sincérité, et tendresse. Alors, bien sûr, ce n’est pas un grand film ; c’est léger ; cela laissera beaucoup de monde au bord du chemin. Mais, pour ceux qui aspirent à remplir les cases d’une vieille photo de classe, c’est totalement réjouissant….

Voilà une série qui justifie à elle seule d’avoir un abonnement Canal +. Une vraie merveille ! Très loin des grosses cavaleries américaines, une série intimiste franco-canadienne d’une justesse de ton incroyable. Cela se passe au Quebec, dans un français imagé qui mérite amplement les sous-titres suggérés, tant les accents et les formules canadiennes sont prononcés.

Une action dans un institut psychiatrique où une médecin psychiatre cabossée par la vie tente de venir en aide à des malades. Elle est aidée par un assistant black d’une placidité absolue, Mortimer. Ils ne sont pas trop de deux pour faire face à des situations urgentes. Ces deux-là se débattent comme ils peuvent. Ils malaxent la pate à modeler de l’humain avec dévouement et dans le calme. Ils cherchent à colmater les failles de tristes destins. Avec une abnégation qui force le respect… D’autant qu’eux-mêmes ne sont pas exempts de déchirures intimes, comme on le découvre au fil des épisodes. Les retours en arrière sont lumineux pour comprendre les moteurs des uns et des autres. Et les coups du sort sont stupéfiants, donnant à ce microcosme d’humanité écorchée vive une résilience exemplaire. Et puis, il y a le choc des images, teinté parfois d’un sur-réalisme bien trouvé de danseurs en tutus pour marquer les troubles du cerveau.

La série constituée d’une seule saison de 10 épisodes ( on ne peut espérer qu’une suite ) est un vrai bonheur. On se surprend à repenser à ces personnages hors-norme et à l’émotion pouvant naître subrepticement « chez les fous », aux côtés de cette médecin de l’âme, Suzanne Bienaimé jouée avec subtilité par une actrice canadienne inconnue. Tous les seconds rôles sont étincelants d’authenticité. C’est de l’humain brutal, mais tellement plus vibrant que la violence qu’on nous ressert à longueur de séries US. Vraiment une série épatante, je la recommande chaudement….

Ce film tient l’affiche depuis plusieurs semaines, il est à voir impérativement avant de disparaître des écrans.

Un film puissant qui vous prend à la gorge dès les premières images. Cette situation de repli désordonné de grandes puissances après l’échec de leurs interventions extérieures rappelle bien sûr l’abandon du Vietnam par les Etats Unis en 1975. C’est la fin d’un monde, un château de cartes qui s’écroule, les certitudes morales du modèle occidental qui s’effondrent… Le sauve-qui-peut généralisé peut s’effectuer de manière brutale et égoïste ou avec quelques derniers soubresauts d’humanité face à tous les laissés-pour-compte, ces autochtones qui ont servi la cause occidentale dont la vie est menacée par la vengeance des vainqueurs.

Mohamed Bida, algérien, dont le père a choisi le camp de la France en 1962, et qui a eu la chance d’être rapatrié, a une occasion unique de rendre la monnaie de sa dette familiale. Il est le chef de la sécurité de l’Ambassade de France à Kaboul, appelé en août 2021 à rapatrier des milliers d’Afghans et d’Européens qui ont trouvé refuge dans la dernière ambassade ouverte dans le pays. Le film raconte sa délicate mission face à des Talibans expéditifs qui n’ont pas envie de faire de quartiers.

La tension est présente dans chaque scène. Face à cette pression, Mohamed ( excellent Roschdy Zem ) garde son calme et reste fidèle à ses valeurs. Il va réussir la mission qu’il s’est lui-même assigné et sauver quelque 2.800 personnes au prix d’une retraite chaotique émaillée de nombreux incidents et d’attentat. Rien que pour ce fait d’arme personnel, le film méritait d’être tourné. Rendre hommage à un grand monsieur qui a honoré son drapeau et n’a été promu que « chevalier » de la légion d’honneur pour avoir pris tous les risques.

Ce qui fait aussi le succès du film, ce sont les moyens matériels mis au service de l’histoire : un Kaboul à la dérive avec son aéroport pris d’assaut est parfaitement restitué sur les terres du Maroc. Dimitri Rassam, le producteur, aidé par Disney Plus, a mis le paquet pour mettre en valeur cet épisode où la France a tenu la place qui est la sienne dans le concert des Nations. Une France qu’on aime, qui n’abandonne pas ceux qui lui ont été fidèles et ceux qui sont menacés dans leur existence. Oui « thirteen » peut subrepticement devenir « thirty », voire « forty », les Français prononçant si mal l’anglais….