Comme les bons vins, Auteuil se bonifie avec l’âge. Il n’excelle jamais autant lorsqu’il montre sa fragilité, ses faiblesses, ses doutes. Un acteur donc impeccable pour endosser le rôle d’un avocat pénaliste qui, par humanité, se laisse tenter par la défense en avocat d’office d’un père de famille débonnaire soupçonné du meurtre de sa femme. L’intime conviction comme moteur de l’engagement. Une combativité démultipliée pour atteindre une issue désirée intensément.
L’accusé, joué avec sobriété par un Gregory Gadebois, une fois de plus excellent, est tellement touchant. L’avocat réputé mouille donc sa chemise pour défendre son bonhomme qui ne l’aide guère. Les accusés sont souvent de piètres défenseurs de leur cause. Du dur métier d’avocat d’assise.
Le film est une belle plongée dans la justice du quotidien, laborieuse et parfois ingrate. Auteuil qui est aussi à la réalisation, nous emmène dans un procès relevé autour d’une histoire toute simple. Trop simple ? Le dénouement à double détente est assez inattendu. Mais ce n’est pas le plus important. L’histoire se termine. On aura vécu les atermoiements d’un acteur au jeu très habité qui confirme la première place qui est la sienne dans notre cinéma national.
La paternité est-elle une affaire de gênes ou une affaire d’actes ? Telle est la question que pose ce très joli film qui offre un rôle en or à Karim Leklou. Le rôle d’Aymeric, un homme débonnaire, un gentil, un velléitaire qui se laisse emporter par les événements, sans tentative de les maîtriser. Un bon gros nounours capturé par Florence, femme fantasque qui le prend comme compagnon, alors qu’elle est très enceinte d’un autre. Il se laisse faire, subjugué par ce corps déformé qu’il apprivoise au travers de son appareil-photo. Il mitraille, comme s’il voulait retenir l’instant. L’intimité est si fugace !…
Plus que d’amour, c’est de complicité qu’il s’agit, un confort face aux aléas de la vie. Contre toute attente, c’est une situation qui dure et qui permet au nounours de devenir papa auprès du petit Jim. Un papa attentif, serviable, aimant qui travaille à faire grandir cette jeune pousse. Jusqu’au jour, où le père génétique, Christophe, refait surface, ravagé par la disparition des siens…. Florence se laisse happer par la détresse du père de son fils. Et Aymeric se voit rétrogradé à plus grand chose….
Ce qui peut choquer et déplaire dans ce film est la passivité d’Aymeric, un homme qui subit sans se révolter. Plus que la perte de sa femme, il souffre de l’éloignement de « son fils ». Mais que pèse une paternité affective face à la dictature du sang ? Heureusement Aymeric va se consoler auprès d’Olivia ( Sara Giraudeau ), une femme solaire qui lui fera oublier les coups vaches de Florence.
« Le Roman de Jim », adapté d’un livre à succès, traite avec légèreté du trio amoureux autour du sort d’un enfant. Grâce notamment à la personnalité effacée du personnage joué avec justesse par Karim Leklou. Face à lui, Laetitia Dosch est inconséquente, puis un brin machiavélique, et Bertrand Belin, joyeusement découvert dans « Tralala » joue bien l’homme à terre. Les hommes sont faibles dans ce film. Les femmes y paraissent plus solides, à l’image de Sara Giraudeau, toujours parfaite dans son rôle.
Au final, un petit film qui fait réfléchir sur le rôle fragile du père adoptif dans les couples recomposés..
Michel Bussi est un des meilleurs tricoteurs d’histoires du moment. Il a un vrai talent pour nous emmener avec lui dans des histoires subtiles où les rapports humains sont le sel du récit. Ses personnages suscitent le plus souvent l’empathie et l’adhésion des lecteurs.
Ce nouveau roman est un peu différent des autres. D’abord parce qu’il se passe quasi exclusivement à Rouen, ville bien connue de l’auteur. Mais aussi parce qu’il parle de personnes modestes, une famille de banlieue, qui se bat pour survivre, et n’a pas la vie trépidante des milieux favorisés auxquels l’auteur nous avait habitués. Un quotidien terne arrivera-t-il à capter l’attention du lecteur jusqu’au bout ? Quel scénario alambiqué, cher à l’auteur, va bien pouvoir résulter de la triste condition d’une femme battue par son mari alcoolique ? Elle meurt en début d’histoire poursuivie par cette brute…
Bussi a, toutefois, plus d’un tour dans son sac, et il s’attache à la fille du couple Ophelie qui s’acharne à donner à ce meurtre une autre interprétation, contre toute logique. Une fille qui grandit dans un sentiment de vengeance et souffre d’une maladie de notre époque hélas trop répandue chez des jeunes biberonnés aux réseaux sociaux, appelée par les psychologues le « biais de confirmation ». Autrement dit, la capacité de croire seulement en ce qu’on croit préalablement, et exclure toute opinion contradictoire.
Cette jeune Ophélie, révoltée et profondément humaine dans l’attachement au souvenir de sa mère, suscite, malgré tout, l’empathie du lecteur. Il suit ses aventures Don Quichottesques avec indulgence et bienveillance. Les années passent, et le combat ne cesse pas, malgré les échecs. Bussi finit par ponctuer le récit de quelques indices étonnants qui commencent à nous faire douter. Cette gentille folle n’aurait-elle pas un peu raison ?
Le tour de force de ce roman est finalement de nous faire languir 410 pages sur une histoire toute simple. Il y a là du génie, c’est sûr, mais aussi une maitrise parfaite des relations humaines. On adhère à l’histoire avec ses rebondissements et son dénouement évident, perlé de justice et de préservation de l’avenir. Un joli travail d’artisan… Bussi nous rappelle aussi avec beaucoup d’intérêt les combats des étudiants contre les Lois Juppé de l’automne 1995. Une autre forme de lutte aux ressorts psychologiques également un peu névrotiques. Mais celle-là, on ne peut que regretter son issue. Une victoire à la Pyrrhus qui s’est révélée, bien plus tard, assez négative pour une jeunesse qui défendait des avantages qui ne la concernaient pas.
La musique a ce pouvoir magique de parfois vous traverser la peau pour vous atteindre en plein coeur. Vous vibrez de tous vos pores à un rythme ou à une mélodie pour en devenir accroc, shooté, sous emprise… C’est totalement délicieux. Cet assujettissement auditif amène des milliers de fans à débourser des fortunes pour assister au concert de leurs idoles. Ou à écouter en boucle leurs disques dans un extase débridé de leurs émotions. Nous avons tous un peu besoin de cela… C’est ainsi que des Celine Dion, et plus récemment Taylor Swift ont entraîné des foules d’aficionados dont l’amour tourne à la dévotion.
Devant le succès planétaire de ces artistes, leur talent peut être considéré comme une qualité objective. Sans doute, mais l’adhésion à une musicologie est une autre affaire. S’il est vraisemblable qu’écouter et réécouter des tubes contribue à ancrer un référentiel affectif qui accentue l’amour pour un interprète, comment expliquer qu’à la première audition, des chansons peuvent susciter l’enthousiasme ou vous laisser froid.
Bien sûr, certains tubes sont tellement puissants qu’ils emportent tout sur leur passage, comme une vague de tsunami. Ainsi « Billie Jean » de Mickael Jackson était tellement incontournable que je me souviens parfaitement du jour de 1983 où je l’ai entendu la première fois, dans une boite de nuit sur la côte de l’Aber Wrac’h dans le Nord de la Bretagne. J’ai eu l’impression, ce jour-là, de vivre une émotion musicale d’une telle intensité qu’elle est restée gravée dans mon inconscient. A jamais…
Mais quid des interprètes moins consensuels ? J’avoue avoir du mal à m’emballer pour Taylor Swift, même si je mets du mien pour comprendre ce qui provoque un tel raz-de-marée d’amour. Et je m’efforce d’écouter pour ne pas passer pour un boomer en dehors du coup.
Après tout, on peut admettre que les préférences musicales soient des affaires personnelles. Et s’il y a du nombre autour d’un interprète, point n’est besoin de vibrer par pur mimétisme si la voix, le timbre, le rythme, les paroles ne vous emportent pas. J’ai parfois honte de dire que j’échangerais volontiers trois albums de Celine Dion contre un de Gil Caplan. La voix de cette femme – très loin dans les charts de ventes de disques – et ses mélodies harmonieuses m’électrisent totalement.
Ce qui m’amène à raconter mon émotion permanente pour un groupe britannique d’électro-pop peu connu Goldfrapp, auteurs de nombreux albums et notamment du magnifique que je classe dans mon top five, si ce n’est à la première place : l’album « Felt Mountain » .
Une vraie splendeur !… Tout l’album est une réussite totale. Sur un registre planant, proche d’un autre groupe que j’adore, le groupe Portishead avec des clins d’oeil appuyé à l’univers d’Ennio Moricone. Bref, le genre de musique à écouter dans le noir après une journée de travail, ou dans la voiture alors que tout l’équipage est endormi. J’en raffole !… Cet album me tire presque toujours la larme à l’oeil. Pourtant cette musique ne passe sur aucun média, et le groupe ne semble connu que de quelques passionnés.
Quelle étrangeté que ces goûts musicaux… Il en faut certes pour tous les goûts. Mais tant qu’Allison Goldfrapp continuera à sortir des albums, je serai un homme heureux.
Je gère de l’argent, et donc suis fan de l’or. L’or est une valeur qui s’apprécie en elle-même, sans référence à une banque centrale, ni à des niveaux de taux. Elle est là depuis la nuit des temps, et sera encore là dans longtemps. Une valeur sûre et durable…
La course pour l’or est une activité humaine qui se poursuit invariablement, même quand des bitcoins essaient – sans succès – de faire diversion. Des Pharaons jusqu’à Albert Spaggiari, des pionniers du Klondike jusqu’aux arpenteurs contemporains avec leur poêle à frire, d’Harpagon à l’Oncle Picsou, du FMI jusqu’aux banques centrales, ils vénèrent tous le veau d’or, même s’ils s’en défendent. L’appât du gain, la valeur immuable du métal jaune, le caractère irrésistible de ce qui brille, et de ce qui fait briller les yeux des femmes, tels sont les moteurs collectifs de l’espèce humaine. Une matière première jouissive à exploiter pour un romancier.
Mes deux polars sont donc des histoires d’ors. Deux histoires différentes, à vingt années d’écart, mais dans la même région, et avec les mêmes personnages. La quête de l’or dans des mines hypothétiques ou dans le magot d’un fuyard maudit, offre un canevas réjouissant pour broder une poursuite haletante qui emportera le lecteur loin dans les montagnes ou dans les neiges éternelles. Car si la course derrière les lingots permet de découvrir des paysages majestueux aux éclats éblouissants de naturel, les certitudes peuvent bien être amenées à s’effriter au long du parcours : Et si la vraie richesse sur cette basse-terre se trouvait ailleurs ?
Profitez de l’été pour vous faire une opinion… L’été est une période propice pour laisser vagabonder son esprit dans le plumard ouaté qui vous offre sa douceur sans le tic tac horripilant d’un réveil. Lisez mes deux ors, « L’Or du Paradis » le premier roman dans la chronologie ( années 30 ), puis « L’Or du Maudit » ( années 50 ), tous deux disponibles sur le site des Editions AO.
Ils vous feront voyager, et ce n’est pas une promesse en l’air.
Ce livre m’a fait penser aux histoires extraordinaires de Pierre Bellemare. Des histoires étonnantes de tueurs précoces ou de disparitions mystérieuses qui éveillent la curiosité du lecteur; il est vrai que le crime et les enquêtes non-élucidées font partie des ressorts de l’intérêt public. Il suffit de voir l’intérêt que suscitent les grandes histoires criminelles, de l’affaire Dominici à l’histoire du petit Gregory. Ou plus récemment la disparition du petit Emile…
L’auteur Esther Hervy a pris le parti d’évoquer des histoires moins connues, mais tout aussi troublantes, du début du XXème siècle jusqu’à nos jours. Des enfants qui assassinent, des personnes ordinaires qui pètent les plombs, des disparitions incompréhensibles… On le savait, l’homme est capable du pire, mais parfois il dépasse les bornes de l’entendement et de l’horreur. Certaines histoires rendent mal à l’aise.
Le début du livre m’a déplu par un côté un peu racoleur. Mais au fil du récit, on comprend mieux l’objectif de l’auteur, de raconter non pas seulement les péripéties des drames et des enquêtes qui s’éternisent parfois sur plusieurs années, mais aussi de donner des clefs de compréhension au lecteur qui peuvent être, selon les cas, juridiques, psychologiques, sociétales, ou autres. Après chaque cas, Esther Hervy prend un peu de hauteur pour expliquer comment un tel enchaînement des faits a pu être possible, et quelles conséquences cela a eu sur la société. Une approche intéressante qui s’éloigne totalement du côté glauque de la presse populaire du type « Détective »…
Les affaires Brandon Swanson, de Yuba City et de Lars Mittank sont particulièrement incroyables. On réalise que même à notre époque, des personnes peuvent se volatiliser, sans laisser de trace. Ou mourir dans des conditions mystérieuses très loin de toute rationalité.
Une lecture plaisante, même s’il manque la voix chaude de Pierre Bellemare que j’aimais écouter enfant à la radio. C’était un redoutable raconteur d’histoires…
Un ami qui randonnait à pied au coeur de l’Ouzbékistan, a rencontré un paysan qui, interrogé sur ce que représentait la France pour lui, répondit instantanément : « le Comte de Monte Cristo ! »…
On comprend qu’avec un rayonnement planétaire, la tentation ait été grande de dépoussiérer les nombreuses versions filmées d’un des meilleurs romans d’aventure jamais édité. Grande réussite de ce point de vue, avec un Pierre Niney qui incarne très bien l’Edmond Dantes de nos lectures lointaines. Le film est tendu comme un arc autour de cette vengeance sublime d’un pauvre hère devenu extrêmement riche par un coup du destin que seul Alexandre Dumas sait nous tricoter. On passe un excellent moment de cinéma avec des acteurs parfaits dans leur partition et un scénario assez fluide, malgré les différents chapitres de l’histoire. Tout au plus, peut-on regretter quelques ellipses qui nous font passer à côté de l’origine de certains personnages. Il faut dire aussi que le roman est un pavé, un pavé qu’on déguste à petits feux sur une durée bien supérieure aux près de 3h du film.
Hélas, le réalisateur a cédé à la mode de la violence, en changeant les ingrédients de la vengeance. Dumas avait été pourtant parfait, avec des vengeances bien agencées où Dantes ne faisait qu’exploiter les défauts de ses ennemis, un peu comme ces lutteurs asiatiques qui exploitent simplement le mouvement de l’adversaire. Du cousu main de l’auteur, mais peut être moins visuel que le parti pris du film.
Le film est donc magnifique, mais il s’éloigne trop de l’esprit de Dumas. Le Dantès d’origine est un personnage très charismatique qui attire les regards et en profite pour tirer les ficelles. Niney est plus sombre, plus englué dans son désir de vengeance. Et plus violent… Un reflet de notre époque, certes, mais ce n’est pas l’homme qui a fait rêver des millions de lecteurs, jusqu’aux confins de l’Ouzbékistan.
Relisons le roman, nous ne perdrons pas notre temps….
Le cinéma a le pouvoir de nous déplacer dans des univers inconnus et de nous faire rêver à d’autres destins que ceux que nous avons choisis. « Le Tableau volé » est un film sans autres ambitions que de nous plonger dans le monde de l’Art, de ses professionnels, de ses clients, et de toute la galaxie qui l’entoure.
Reconnaissons qu’il le fait très bien, avec un scénario bien huilé et parfaitement crédible : quand une situation héritée devient une source d’émerveillement. Un tableau connu qui refait surface, après la disparition des accapareurs issus de la guerre. Une avalanche d’argent qui tombe sur un jeune garçon incrédule qui ne comprend pas ce qui lui arrive. Mais avant cette fin, il y a un savoureux préambule : le commissaire-priseur blasé joué avec brio par un Alex Lutz cinglant ( très loin de ses one-man shows comiques ) ; ses relations tendues avec une jeune assistante mystérieuse ( troublante Louise Chevillotte ) ; l’ex-femme Lea Drucker détachée et complice qui ne veut pas renoncer à l’état amoureux ; l’avocate apporteuse d’affaires qui reste fidèle à son éthique…
Bref, un petit monde qui s’agite autour d’un tableau qui peut donner un formidable coup de boost à la carrière de chacun. Mais il faudra avant cela échapper aux peaux de bananes et aux coups tordus, car le milieu n’est pas, à proprement parler, un monde d’enfants de coeur. Le film est plaisant par ce côté instructif. Mais il va plus loin grâce à la jeune actrice Chevillotte très impénétrable dans ses relations compliquées avec son père, joué par l’inattendu Alain Chamfort. Les acteurs sont tous parfaits et le spectateur en sort conforté dans l’envie de fréquenter davantage les salles de ventes. Ne serait-ce que pour s’initier aux plaisirs des beaux objets… C’est là un des atouts incontestables de ce joli film.
Un mot qui fait aimer la langue française. Une langue qui a réponse à tout, y compris pour raconter la propension des hommes à se retourner sur les fesses des femmes. Des fesses charnues, bien équilibrées, attirantes en diable et voilà leur maîtresse aussitôt qualifiée d’un mot bien évocateur, callipyge. Un mot bien pratique pour dissimuler les attirances masculines.
Une pièce qui tient l’affiche depuis près de 350 représentations ne peut que susciter l’intérêt. Le bouche à oreille est, en outre, un puissant stimulant, surtout quand la pièce revient à Paris, après un périple dans nos provinces. Avec les trois acteurs d’origine, et trois petits nouveaux qui sont tellement impliqués qu’on les croit associés de la première heure.
Cette pièce est un vrai tour de force de mise en scène. Les plans s’enchaînent comme au cinéma, avec des jeux de scènes absolument géniaux. Il faut dire que l’histoire se passe sur deux temps : en Iran de 1974 à 1979, période de fin de règne du Shah, puis d’émergence d’une autre dictature, celle des Mollahs ; dans les Alpes enfin, à Avoriaz au tournant du siècle dans un chalet de villégiature…
Ils sont six sur scène, et passent d’un rôle à l’autre avec brio. C’est tellement vrai que j’ai cru jusqu’à la fin, qu’ils étaient sept. Six personnages pour raconter l’histoire d’une famille francophile qui vit mal les années de dictature d’un pays auquel elle est fondamentalement attachée. Cela parle persan, cela chante persan et l’humour se blottit dans quelques scènes intimes pour donner au récit une belle authenticité. Le tourbillon des scènes emporte le spectateur dans les destin de ces personnages, où les moindres circonstances font fi des contraintes liées au manque d’espace d’une scène de théâtre par des jeux de lumière ou des trouvailles scénaristiques qui donneraient le sourire même au plus blasés d’entre nous.
C’est au final une aventure extrêmement humaine à laquelle nous convie l’auteur Aïda Asgharzadeh. Elle conte avec chaleur l’émigration des siens, l’acclimatation au pays d’adoption, mais aussi la profonde tendresse qu’elle ressent pour tous les Iraniens d’ici et de là-bas. Tout cela est très loin des images agressives dont nous submergent les médias. Rien que pour cela, ces « Poupées persanes » méritent le détour. Elles ont provoqué, en tout cas, l’enthousiasme collectif du groupe de cinq que nous étions. Assurément, un très bon spectacle….
Un premier livre chez Gallimard. La chose est assez rare pour éveiller l’intérêt. L’éditeur réputé se penche rarement sur des manuscrits d’inconnus ( j’en sais quelque chose ! ). Dans ces circonstances, le bon livre est sûrement au programme. Bingo !… Le livre de cette jeune Bretonne « Banc de Brume » est un livre délicat, finement ciselé, qui parle de la notion de continuité familiale, ce maillage entre les générations qui nous précèdent, qui nous a constitués dans les sentiments et l’adn et dont nous sommes les héritiers, autrement dit les poursuivants de l’aventure humaine. Ce fil fragile qui nous relie à nos proches, parents, grands-parents, oncles et tantes, est le plus souvent négligé par les jeunes générations plus tournées vers l’avenir. D’ailleurs, cette quête d’Alice et de son frère Etienne, n’est pas partagée par les deux autres membres de la fratrie qui haussent les épaules. Le passé ne conditionne pas l’avenir pour tous. Mais, pour certains qui se reconnaîtront dans les deux enquêteurs du livre, cette connaissance des « anciens » peut prendre une dimension démesurée, quasi mystique.
L’histoire commence, comme souvent, dans les greniers à feuilleter les vieux albums de photos. Pour y découvrir un oncle et une tante tragiquement décédés quelques jours après leurs mariages. Alice et Etienne ne les ont pas connus. Non seulement ils sont morts avant leur naissance, mais leur vie a été quasi occultée, cachée, mise sous silence, comme un vieux secret trop douloureux pour être évoqué. Le récit est donc la recherche des deux disparus, Olivier et Yvonne, décédés dans le krach de leur petit avion un jour de janvier 1976. Une recherche un peu dérisoire, quelque quarante années après l’événement, mais le covid est là, qui laisse du temps pour enquêter et pour gamberger.
Sophie Berger, l’auteur, réussit à nous embarquer dans ce cheminement intérieur avec brio. Par petites touches, des avancées subtiles, des témoignages inattendus et des conjonctions de bonnes volontés, elle arrive à lever le brouillard savamment entretenu par les anciens sur les circonstances du drame. En 1976, internet était dans les limbes. Aussi la recherche est essentiellement physique, avec des moments d’incertitude, surtout quand il s’agit de retrouver le lieu même du krach, ou le lotissement occupé par le jeune couple avant son accident. La volonté farouche d’Alice se heurte à l’oubli et un cri intérieur qui résonne à toutes les étapes de l’enquête : à quoi bon !!!
La personnalité chaleureuse de l’oncle Olivier apparaît lentement, comme sous le pinceau d’un peintre. Le lecteur se prend à vouloir en savoir plus. Pourquoi ont-ils pris cet avion ? Comment se sont-ils rencontrés ? Pourquoi les images du mariage étaient-elles un peu figées ? Fort opportunément, le récit se déplace en 1976, les quatre à cinq jours qui ont suivi le mariage, avec Olivier et Yvonne qui rayonnent de joie lors des plus beaux ( et des derniers ) jours de leurs vies. Divers témoins apportent chacun des morceaux pour reconstituer le puzzle. Les deux mariés revivent sous nos yeux…
Le livre est une vraie réussite. C’est une immersion profonde dans le monde des sentiments, des ressentis, des conditionnements de l’enfance et des relations familiales compliquées face à un drame inexplicable. Sophie donne à partager toutes les pensées d’Alice dans un style précis, subtil et immergé de mots délicats. Comme des papillons posés sur des souvenirs, ils rivalisent de légèreté. C’est merveilleux d’humanité.
Oui assurément Gallimard ne s’est pas trompé. L’exploration de la famille et de ses secrets est un exercice qui parle à beaucoup. En particulier à tous les sensibles attachés à leurs racines qui se considèrent comme le maillon d’une chaine, et non pas l’individu ultime et égocentré qu’est souvent le dernier rejeton. Quand cet exercice est fait avec une telle grâce, cela touche au sublime…
L’outrance : beaucoup de comédies reposent sur ce concept. Mais c’est un exercice périlleux qui doit être mené par un artiste chevronné. Louis de Funès était parfait dans ces personnages déjantés. Ce n’est cependant pas à la portée de tout le monde.
André Dussollier, acteur réputé sérieux, sachant être piquant et joyeux drille dans certaines circonstances, pouvait-il relever le défi ? Devenir ce militaire à la retraite, portant haut ses oeillères et ses principes, pour qui la découverte de l’ancienne infidélité de sa femme va tout bouleverser, comme une boule folle dans un jeu de quilles.
Au final, mission réussie sur toute la ligne. Notre Dédé national, souvent réservé aux rôles de falot maladroit et distingué, comme dans « les enfants du Marais » nous fait un véritable festival. Il accapare l’écran dans une franche partie de rigolade. Le personnage est odieux, mais par sa pureté et son caractère décalé dans une période aux principes plutôt chahutés, il est touchant et fait rire. L’histoire est certes exagérée, mais pas plus que dans « Oskar » avec son de Funès survolté. L’inattendu tandem Lhermitte-Azema qui l’accompagne est complice, de même que les trois enfants aux caractères très typés. Un assaisonnement favorable pour permettre à cet automate galonné, remonté jusqu’à son dernier ressort, de parcourir l’écran de droite à gauche, puis de gauche à droite jusqu’à épuisement du mécanisme. Le spectateur hoquète de plaisir, avec parfois une petite anxiété que le récit tourne court. Mais non, il y a toujours un nouveau pétard qui éclate pour nous remettre dans la partie.
Le film n’est, certes, pas de ceux qui marqueront les annales, mais je suis sûr qu’il fera partie de ceux qu’on aura plaisir à voir et à revoir, le dimanche soir à la télévision. Ne serait-ce que pour voir un grand acteur au sommet de son Art qui sort de sentiers qu’il a bien battus, et semble nous dire avec son air rigolard « elle est bien bonne, celle-là…. » Merci Dédé, tu es le plus grand.
Ce roman m’a dérouté… L’idée de raconter le curieux programme Lebensborn d’amélioration de la race aryenne – obsession d’Hitler – étonnamment confié à Himmler et ses SS, plus enclins à distiller la mort qu’à cultiver la vie, est assurément une bonne trame de roman. La chose n’est pas si connue, et cet eugénisme forcené renvoie aux positions extrêmes de quelques contemporains voyant dans l’étranger une tâche sur leur blason. Et puis, à l’heure où les vainqueurs des conflits ont tous les droits, notamment de déflorer les filles chez l’adversaire vaincu, l’idée de confier les enfants nés de ces unions sans lendemain à des pouponnières censées faire germer ses rejetons de seigneurs en puissance a un côté tellement saugrenu que le récit promettait du piquant.
Point de cela dans le roman de Caroline de Mulder, une universitaire belge qui a étudié le sujet très sérieusement et nous fait le récit de bribes de moments de guerre, vécus par des femmes. Au niveau même de petits êtres vagissants dans leurs berceaux qui sont loin d’imaginer l’honneur suprême qui est le leur d’être issus de semences de conquérants. Le récit, croqué dans des mots croustillants, très bien choisis, baigne dans des odeurs de nourrissons. Les maisons d’accueil, en particulier ce Heim bavarois ultime refuge en cette fin de guerre, sont de véritables oasis de sérénité et d’opulence, au milieu d’un conflit brutal et destructeur.
Au dehors, c’est la sauvagerie totale, avec Renée, jeune Française qui se fait tondre pour collaboration horizontale. Ou plus proche, avec Marek ce prisonnier Polonais, jardinier du Heim, qui se nourrit d’épluchures de patates pour survivre. Alors qu’Helga, infirmière du Heim reste imperturbable dans ses convictions d’oeuvrer au service du bien.
L’auteure nous fait passer de l’un à l’autre, en essayant de trouver un lien dans ces trois destins ballotés dans un conflit qui les dépasse. Elle y réussit plus ou moins, car la trame est si légère qu’elle retient difficilement l’attention, autrement que sous l’angle historique. En revanche, là où Caroline de Mulder réussit parfaitement son coup, c’est dans son style littéraire précis, puissant et percutant qui retranscrit la chute d’un rêve collectif au service du Reich millénaire. Ces pouponnières censées construire les vainqueurs de demain, et qui vont se résumer au final à créer des milliers de déracinés ayant perdu toutes trace de leur généalogie, voire même de leurs patronymes. Des milliers de berceaux sans parents qui embarrasseront les troupes Américaines sans doute davantage que les prisonniers de camp de concentration. Car contrairement aux premiers, les seconds savaient où rentrer chez eux….
Pour rester dans ce misérabilisme, l’auteur brode une fin improbable. Comme si la détresse psychologique était éminemment supérieure au fait de survivre à un conflit destructeur qui aura causé au monde les pires tourments. Sauf dans ces Heims, coupés des horreurs de la guerre, de la faim et de la douleur qui ont, partout ailleurs, fait leur travail de destruction…
Quelle femme merveilleuse !… Une femme rabbin qui ose élever la voix à un moment où la parole des juifs est inaudible. Elle le fait avec une sensibilité incroyable en puisant dans son inconscient de petite fille juive qui place sa voix, mais aussi celle de tous ses ancêtres, morts depuis longtemps, avec qui elle aime échanger, débattre, ergoter…
Son propos est une petite musique intime qui trahit une richesse de coeur, mais aussi surtout une sourde angoisse. Une angoisse partagée par tout un peuple qui, depuis le sixième siècle d’avant notre ère, n’arrive pas à se faire accepter, se faire oublier, se noyer dans la masse du vulgus pecus. Non un juif sera toujours à part dans les yeux des autres. Avec tact, humour et légèreté, elle nous renvoie le miroir de nos ostracismes qui se cachent à eux-mêmes, de cet antisémitisme latent qui puise ses racines tellement loin que son rejet est nécessairement un acte de rébellion contre ce qui nous détermine.
Le silence qui a suivi les attaques du 7 octobre a été étourdissant, au regard du charivari qui a accompagné la réaction d’Israel. Une subjectivité généralisée qui n’est pas née ce jour-là. Cela remonte à loin, très loin… Delphine n’est pas là pour accuser, ni défendre ce qui n’est pas défendable. Elle se place au niveau de l’humain, des réactions instinctives et émotionnelles qui naissent de ces drames. Une communauté sous le choc qui se cache, dissimule ses signes ostentatoires, et se serre les coudes face à ce présent détestable et honni, mais aussi surtout face à l’avenir. Un avenir qui inscrit ses pas hélas trop facilement dans la boue du passé, et ses marécages qui ensevelissent.
J’ai eu de la pitié à ce récit, notamment face à cette femme qui ne vit plus de voir son fils jouer au foot avec son étoile de David à la poitrine. Une cible bien trop ostensible dans une société qui a décidé de s’affranchir d’une partie des siens…. Qu’ils sont touchants tous ces juifs dont elle éveille le souvenir ! Un grand-père amoureux de la langue française qui se défend de parler yiddish. Une grand-mère au français écorché qui trouve dans le chanteur Claude François des acquaintances lointaines avec son peuple, pour ne pas parler d’un passé très lourd qu’elle préfère garder pour elle. Delphine parle joliment de la condition juive, sans jamais évoquer la Shoah, pour échapper à l’accusation de victimisation dont les siens sont crédités.
Elle parle du coeur et de ses nuits sans sommeil depuis un certain jour d’octobre. Ce livre est merveilleux. Il fait réfléchir sur la vision que nous avons de nos voisins, si proches, si intégrés, mais aussi si différents dans leur volonté de poursuivre ce qui est leur nature intime. Un livre nécessaire pour ouvrir les yeux, simplement, sans préjugés, ni condamnations préalables.
Le film est du réalisateur Stéphane Brizé, mais c’est un film que Guillaume Canet aurait pu faire, tellement il lui ressemble. L’exploration des troubles et des tensions liés à chaque âge est du « pur Canet » dans le texte et les motivations. Cette fois-ci, ce n’est pas une bande de potes trentenaires comme dans « les Petits Mouchoirs », mais les questionnements métaphysiques de la cinquantaine, quand l’âge se fait sentir et qu’il provoque chez les perfectionnistes comme l’est notre fringant acteur, des sentiments dépressifs.
Voilà donc un film au public ciblé qui ne passera pas le filtre des plus jeunes. Et pourtant quelle justesse de ton !… Le film est lent, laborieux, plein de moments de silence; la Bretagne y est austère, peu engageante. Matthieu, notre dépressif a choisi l’endroit le moins naturel pour se ressourcer. D’ailleurs, son séjour de Thalasso est marqué par l’ennui et un détachement à toute épreuve… Les images s’étirent dans un grand bâillement du spectateur. Jusqu’à l’arrivée du personnage d’Alice ( Alba Rohrwacher merveilleuse de justesse ), une ancienne maitresse abandonnée qui apparaît comme un rayon de soleil dans un ciel d’orage. Tout s’articule ensuite autour de cette femme, pudique, peu sûre d’elle, qui brave les souvenirs douloureux du passé pour retisser du lien. Face à elle, il reste mutique, peu ouvert, mais se laisse finalement séduire par la générosité de cette femme qui fait du bien dans un hospice de vieux. Elle l’invite dans la célébration d’un mariage entre deux résidents de la maison, autour d’une soirée où les yeux du dépressif retrouvent l’étincelle de la vie. La soirée est d’une grande puissance émotionnelle, comme le témoignage d’une vieille femme, passée à côté de sa vie, et bien décidée à rattraper le temps perdu.
Comme l’espérait le spectateur, les deux amants finissent par se retrouver pour une étreinte qu’on imagine furtive. Ainsi, c’est dans un pays hostile, entouré de vieux proches de la fin, que Matthieu va retrouver une certaine envie de vivre. Alice n’en sortira pas indemne, car le mal-être peut sauter d’un individu à l’autre. Foutue déprime des bilans quinquagénaires !… Finalement, seul l’amour est un ciment qui tient pour traverser ces moments difficiles.
Un beau film, léger, et sans doute pas tous publics. Qu’importe, l’esprit est là, et il parlera à beaucoup…
Le cinéma est d’abord une affaire de passion, avant d’être une affaire de gros sous. La production a un peu gâté le tableau, en parlant du film « aux cinq millions d’entrée » en Italie. Elle nous a ainsi privés de l’effet de surprise qui aurait immanquablement accompagné ce petit film italien en noir et blanc, très intimiste et sans aucun acteur connu au générique. J’imagine le bouche à oreille se répandant comme une traînée de poudre. Cela aurait été mille fois plus efficace que les rodomontades de l’affiche.
Car de la surprise, il y en a, je vous prie de le croire !… Et surtout du cinéma pur, esthétique, percutant. Une caméra désinvolte qui capte des bribes d’une italienneté désopilante ; l’intimité d’une famille à la sortie de la guerre; des gens simples, fiers, volubiles, qui s’affrontent dans un déluge de cris, de tensions et de disputes entre voisins; un clin d’oeil appuyé aux comédies italiennes en noir et blanc des années 60, mais sans la légèreté habituelle. Car le père est un homme brutal qui a la mauvaise habitude de frapper sa femme, la stoïque Delia, et de tyranniser ses enfants. Delia serre les dents, protège sa fille et essaie de canaliser ses deux fils hyper-turbulents, mais elle n’a pas la tentation de se révolter. Elle accepte sa condition, jusqu’au moment où elle perçoit de la pitié dans les yeux de sa fille. Dans le même temps, cette dernière s’engage dans un mariage sur le papier très valorisant, avec un élu de son coeur qui, cependant, montre vite des vélléités de patriarcat absolu, comme le père de famille. L’histoire se répètera-t-elle ? Delia peut-elle accepter que sa fille soit condamnée à connaître le même destin ?… Pour traverser l’épreuve, Delia se console dans une grande amitié avec le garagiste local, mais ce dernier qui crève la faim, décide de partir vers le nord de l’Italie. Va-t-elle le suivre, en abandonnant tous les siens ? Une lettre adressée de manière rarissime à Dalia-même semble provoquer un déclic…
Sur ce canevas, la réalisatrice Paola Cortellesi qui tient elle-même le rôle de Dalia avec une justesse absolue, nous brode une histoire superbe, dont l’émotion perce à chaque scène dans les yeux perdus de cette femme battue. La scène où elle se fait rosser par son mari, devient une danse poignante où les coups pleuvent entre les étreintes. A certains moments, des chansons italiennes accompagnent le drame pour donner un goût aigre-doux aux images et désamorcer la tension. La technique de cette jeune réalisatrice excelle, au-delà du choix esthétique et bien trouvé du noir et blanc. Le spectateur vibre intensément avec cette femme qui résiste vaillamment à sa condition misérable. Jusqu’à la pirouette finale, le dénouement inattendu qui donne au film une tout autre connotation.
C’est alors une illumination qui donne un large sourire. Le spectateur sort heureux. Ce film mérite ses 5 étoiles. Un vrai bonheur…
C’est le huitième livre d’Eric-Emmanuel Schmitt que je lis, toujours avec le même plaisir. Cet auteur prolifique enchaîne les ouvrages et poursuit tranquillement le chemin qui le conduira, sans doute, vers le Nobel de littérature. Ce ne serait que justice, car l’homme explore son imaginaire de deux façons très différentes : par la fiction avec des romans pleins d’émotions ( « Oskar et la Dame en rose » ) ou foncièrement originaux ( « la Part de l’Autre » ) pour ne citer que ces deux-là parmi la quinzaine d’ouvrages que je suis loin de tous connaître ; par l’exploration également des mystères de la Foi où il se met en scène pour raconter sa conversion à la foi chrétienne, alors qu’il était à l’origine carrément athée.
Avec les talents d’un conteur hors pair, il a ainsi raconté sa rencontre avec Dieu (« la Nuit de Feu » ). Mais aussi, il a eu la folle audace dans « l’Evangile selon Pilate » de mettre en scène Jésus à la première personne du singulier. Quelques années plus tard, il se permettait dans un roman complètement fou de faire une interview de Dieu ( « l’Homme qui voyait à travers les visages » ).
Cette deuxième collection est diablement attractive, car il est sur un registre philosophique et humaniste répondant à des questions existentielles. Il démystifie et rend abordable l’approche de la religion, alors même que beaucoup de nos contemporains la rejettent ou ne s’y reconnaissent plus. Un rejet collectif, tout en étant parallèlement troublés par le vide qu’elle laisse, l’espérance n’étant plus là en rempart du spleen et des interrogations métaphysiques. Schmitt apparaît donc comme une sorte de prophète. Mais un prophète qui ne parle que de son expérience personnelle, avec des mots qui transcendent.
« Et vous, qui dites-vous que je suis ? » demandait Jesus. Schmitt aura usé de tous ses talents d’écrivains pour raconter, au fil de ses livres, son cheminement qui lui aura fait donner quatre réponses, au fil de sa vie, à cette question : « un mythe », réponse de l’athée d’origine ; « un prophète », réponse du jeune de vingt ans; « un philosophe » intuitif qui exprime ses pensées de manière fulgurante ou sous forme de paraboles, dit le jeune Schmitt étudiant ; et enfin « le fils de Dieu » répond enfin l’écrivain mature après un voyage en Terre Sainte.
« Le défi de Jérusalem » est le récit de ce voyage. Un récit passionnant car Schmitt le fait avec détachement, sans passion excessive, avec sa curiosité d’homme libre et d’honnête homme pour seul viatique. Muni aussi d’une bonne connaissance des Evangiles. Et aussi – c’est sa force – une sensibilité exacerbée qui lui fait voir au-delà des apparences.
Le résultat est tout en nuances, avec des déceptions, des emportements divers sur l’exploitation commerciale des lieux, mais aussi une plongée dans les écritures, les églises de Bethleem et de Jérusalem, le mont des Oliviers, et enfin un émerveillement olfactif à la visite du Saint Sepulcre. Schmitt se laisse envahir par une force externe qui emporte ses derniers soubresauts agnostiques.
Le livre se lit comme un récit de voyage, accessible à tous. Sa genèse sur le conflit israélo-palestinien donne des clefs de compréhension de ce qui se passe dans ce proche Orient explosif. Il apporte le témoignage d’un Chrétien qui ne rougit pas de sa religion. Une religion qui met en avant la vertu de « l’amour » alors que les autres religions sont sur un autre registre : la vertu du « respect » chez les Juifs, la vertu de « l’obéissance » pour les musulmans et la vertu de « la compassion » pour le bouddhistes.
Un joli voyage qui vient clore des années d’introspection fructueuse. S’arrêtera-t-il là ? Rien n’est moins sûr avec cet homme surprenant toujours sur la brèche. Il nous fait tellement avancer qu’on ne peut que l’inciter à poursuivre sa quête. Un livre à recommander à tous ceux qui doutent…
